Aqualung est le quatrième album studio du groupe britannique de rock progressif Jethro Tull,
sorti en 1971 par le label Chrysalis Records. Il est considéré, malgré un désaccord des membres du groupe à
ce sujet, comme un album-concept abordant le thème de la distinction entre Dieu et la religion. Ian Anderson
compose et écrit l'intégralité des chansons ; il produit également l'album avec l'aide de Terry Ellis.
Deux singles sont extraits d'Aqualung, Hymn 43 et Locomotive Breath.
L'album est enregistré aux Island Studios à Londres, avec John Evan et Jeffrey Hammond qui participent à
leur première séance d'enregistrement avec le groupe, respectivement en tant que claviériste et bassiste,
Hammond palliant le départ de Glenn Cornick. Le batteur Clive Bunker quittera Jethro Tull quelques mois
après la parution d'Aqualung. L'album représente un tournant notable quant au style du groupe, marqué par
l'utilisation accrue des claviers et par l'inclusion de brèves ballades simplement accompagnées d'une guitare
acoustique, qui contrastent avec la brutalité hard rock des moments forts du disque.
Il consacre l'orientation de Jethro Tull vers le rock progressif, genre prépondérant dans les albums
subséquents du groupe. Aqualung traite de thèmes récurrents : critique sociale et scepticisme religieux
s'entrelacent au fil des chansons, même si les paroles de Ian Anderson abordent parfois des sujets plus
personnels.
Plus de 7 millions de copies d'Aqualung sont vendues, en faisant l'incontestable succès de la formation
britannique. L'accueil critique est très favorable, l'album figurant régulièrement dans des classements
établis par les critiques. Grâce au succès commercial international de l'album, Jethro Tull accède à une
notoriété mondiale et s'impose comme un des pionniers du rock progressif britannique.
Analyse
Datant au moins de la messe en ré mineur d' Electric Prunes , le rock et la religion ont démontré une affinité improbable l'un pour l'autre. Eric Clapton, Peter Green, Jeremy Spencer, Peter Townshend, John Lennon, George Harrison (et n'oublions pas le révérend Richard Penniman) se sont tous, à un moment donné, consacrés eux-mêmes et leur musique à Dieu dans ses innombrables variétés. Dans la foulée de Tommy et Jesus Christ Superstar, Ian Anderson de Jethro Tull rejoint cette liste enivrante.
Tull est l'un de nos groupes les plus sérieux et les plus intelligents, et le choix du sujet d'Anderson pour Aqualung - la distinction entre la religion et Dieu - en témoigne. De plus, Tull a une sophistication musicale à la hauteur de ses ambitions thématiques. Là où This Was, leur premier album, était sans but et désorganisé, Stand Up, avec son effleurement de formes ethniques et classiques, était éclectique dans le meilleur sens du terme. De cette expérimentation s'est forgé dans Benefit un son qui a finalement donné au groupe une identité concrète.
Une fois qu'un groupe est arrivé à un style cohérent, la prochaine étape logique est un album concept, et c'est sur les bancs de concepts que beaucoup de groupes s'échouent. Souvent, ces albums n'ont pas le soupçon d'auto-ironie, qui est à la base du grand rock and roll, et paraissent donc pompeux. En fin de compte, un album comme Tommy, par exemple, doit tenir ou tomber sur sa qualité en tant que collection de chansons ; la glose thématique est absolument secondaire.
Aqualung est le personnage principal de l'album, et est ainsi nommé pour sa toux rhumatismale. La première face consiste en une série de vignettes miteuses tirées de la vie anglaise laïque moderne, tandis que les paroles imprimées sont moulées en lettres gothiques pour souligner la base liturgique de l'album. La chanson titre dépeint le mendiant dans toute sa mesquinerie et sa lubricité. "Aqualung" est en fait composé de trois chansons ; au fur et à mesure que les différentes humeurs du narrateur se déroulent, la musique change en conséquence. La déclaration mélodique initiale chantée d'une voix dure et bourrue est laide et laborieuse; ça se nuance ensuite en quelque chose de plus doux et de plus sympathique, puis en quelque chose qui rock un peu plus.
Une autre lie de la société, Mary la salope aux yeux louches, de la chanson du même nom, est l'objet des attentions d'Aqualung. Anderson semble tout aussi désapprobateur ici. "Mother Goose" est le genre de chanson qu'Anderson écrit le mieux. Comme dans "Sossity" sur Benefit, il capture étrangement la sensation d'un véritable madrigal élisabéthain (un consort de flûtes à bec l'aide à passer). C'est une chanson sur une foire de Hampstead, remplie de détails descriptifs à la fois archaïques et actuels. Les paroles et la mélodie accomplissent mutuellement le même but, car toutes deux expriment la continuité de la vie anglaise.
La deuxième face, sous-titrée « Mon Dieu », traite plus explicitement de la religion. Le nœud du problème est l'hypocrisie chrétienne, la façon dont les gens manipulent les notions de Dieu à leurs propres fins. Il y a des discussions assez évidentes sur les crucifix en plastique, des allusions blakéennes à l'enfermement « dans sa cage dorée » et des invectives ; "La sanglante Église d'Angleterre/Dans les chaînes de l'histoire/Demande votre présence terrestre à/Le presbytère pour le thé." Sous le ton accusateur se cache un thème musical émouvant. Encore une fois, la structure est en constante évolution. Il y a des changements d'hymnes majestueux, une pause de flûte jazzy, un motif pompeux et circonstanciel qui, lorsqu'il est inversé, prend une nausée plus chromatique et moderne. La gamme de l'expérience religieuse est englobée dans cette chanson.
"Wind Up" conclut l'album et incarne la plupart des difficultés de l'album. Alors qu'Anderson est habile à concevoir une approximation musicale d'une idée, ses paroles sont trop intentionnelles, lourdes et didactiques. Il serait possible d'ignorer les paroles, car les paroles peuvent généralement être ignorées, sauf qu'Anderson les chante de manière si mélodramatique. Sa théâtralité n'est pas non plus appropriée aux idées ou aux mots. La prestation trop enthousiaste est probablement destinée à compenser ses limitations vocales inhérentes, mais le problème initial est le choix du sujet par Anderson. À une époque où les variétés les plus obscures d'expériences religieuses sont claironnées partout, et où l'athéisme et l'agnosticisme font encore plus que tenir le coup, il est difficile pour le tempérament moderne de s'énerver face à la bonne vieille hypocrisie chrétienne. Quand Anderson chante douloureusement -
Alors j'ai posé une question à ce Dieu et en guise de réponse ferme,
Il a dit : « Je ne suis pas du genre à vous retrouver le dimanche.
Alors à mon ancien directeur (et à tous ceux qui s'en soucient);
Avant que j'aie fini, j'aimerais dire mes prières -
"Je ne te crois pas : tu as tout faux -
Il n'est pas du genre à te retrouver le dimanche."
– il y a quelque chose de déprimant et anti-climatique dans tout cela. Il y a beaucoup d'émotion mal placée sur ce disque.
Ainsi, malgré la belle musicalité et l'organisation structurelle souvent brillante des chansons, cet album n'est pas élevé, mais miné par son sérieu
COVER-STORY
La pochette originale de l'album est peinte par Burton Silverman. Elle présente un portrait en
aquarelle d'un sans-abri barbu aux cheveux longs, portant des vêtements usés.
L'inspiration pour la couverture
provient d'une photographie prise par la femme de Ian Anderson, Jennie, où elle prend en photo un vagabond de
Thames Embankment. Anderson expliquera plus tard qu'il aurait mieux valu utiliser la photographie de
Jennie plutôt que de faire peindre la pochette. Anderson affirmera ne pas réellement aimer la pochette de
l'album, jugeant la peinture de qualité moyenne.
En effet, il se rappelle avoir posé pour une photo qui
servira pour la peinture, même si Silverman assure qu'il s'agit d'une peinture sans modèle. L'illustration
de Silverman est commandée et achetée par le directeur du label Chrysalis Terry Ellis. Silverman affirme que
sa peinture devait être utilisée pour la pochette de l'album uniquement, et non à des fins publicitaires.
Il demandera ensuite au groupe une rémunération pour autoriser l'usage de l'œuvre pour la promotion de
l'album, ce qui donnera lieu à un différend avec Anderson.
L'œuvre originale pour les couvertures avant et
arrière de l'album est à présent la propriété d'une famille inconnue, après avoir été vraisemblablement
volée d'une chambre d'hôtel à Londres.
